2008年8月8日晚，北京奥运会开幕式之后首枚金牌产生之前，已经诞生了一个世界之最，那就是开幕式上的一幅由全球1万多名各人种当中的优秀分子共同完成的一幅画卷。被张艺谋在第二天的记者招待会上称为“日月山川”或“共同拥有”的作品。这幅画参与的人员众多，首先是由中国的舞蹈演员留下舞蹈的痕迹，其次是中国的儿童天真烂漫地涂抹，更重要的是它留下了来自全球204个国家的1万多名运动员的脚印。更了不起的是这幅作品完成的整个过程是在全球40亿（有报道称29届奥运会的电视观众达40亿）人的观看下完成的。这几个数字足以让这幅作品前无古人，后无来者。

       是张艺谋选择了奥运会？还是奥运会造就了张艺谋？他们在中国的土地上相遇是上帝的安排。张艺谋的成功也决不是偶然的，他几十年电影导演的生涯似乎在默默地等待着这一天的到来。而奥运会给全世界人民提供集体活动的机会的同时，顺便造就了一幅伟大的行为艺术作品，造就了一个伟大的行为艺术家。

       行为艺术在中国也是舶来品。上世纪八九十年代传入中国以来，被许多低智商的艺术家搞得臭名招著，在犄角旮旯里自生自灭。从来也没有在大众艺术领域里占有一席之地。而真正的行为艺术却在中国难觅踪迹。此前听说过当代艺术家艾未未曾策划了一起由1001个中国人到外国进行参观艺术品的大型活动。作为行为艺术，从参与的人数上和花去的银两上看，都是国内首屈一指的，从主题和作用上讲也是有一定意义的。远比那些国外的千人裸奔、国内的吃死孩子、钻牛腹以及所有的象跳梁小丑表演的下下三烂的行为艺术强出好多倍。然而，看了张艺谋的行为艺术，再好的作品也显得那么蹩脚，那么做作，那么小气。

       行为艺术倡导的表达性和现代性，在张艺谋的手下得到了淋漓尽致的表现，这样的作品不用任何注解和阐述都能读懂它。其实，它还有一个特点是其他当代艺术所不具备的，就是它的世界性（或国际性），任何一个民族，不同肤色、不同地域的人，即使没有文化的人，甚至是聋哑人都能读懂。毫无疑问，张艺谋创造了一个让全世界人在瞬间可以相互交流的语言。

       以前，中国人搞经济搞不过英国人，搞政治搞不过俄罗斯人，搞军事搞不过美国人，搞艺术搞不过法国人，任何方面都没有优势，在外国人面前只好把老祖宗“四大发明”或“孔孟之道”拿来垫垫底气，可现在，中国也办奥运了，我们也搞经济了，我们也玩艺术了，而且一玩就玩大的，玩最时髦的，玩最现代的，玩得叫你永远赶不上，玩出自信，玩出狂妄。

       可能有许多艺术家（包括我）暗自窃喜：是张艺谋利用开幕式的创作顺便完成一件行为艺术，还是为了完成这件行为艺术而顺便搞搞开幕式？这之间的关系越来越模糊。不管怎么说，奥运会着实被他利用了一把，一万多人也成了他的演员，而且是不花钱的演员。开幕式结束后，有关行为艺术的思考和研讨还会继续。

       那么，这件行为艺术的价值和今后的去向将会怎样呢？

       作为这个行为艺术载体——那幅画卷，它的最好归宿应该是奥林匹克博物馆，它的价值无法估算，但它应该有一个价格，至少应高于现存的任何一件藏品的价格。除此以外，还有这件行为艺术的其他载体或衍生物。影像资料——通过开幕式转播权的出让已经体现出来了。还有那些舞蹈演员和小朋友的涂抹工具也产生了价值，所有在画面上留下脚印的运动鞋，都因此产生了价值，或许在以后的某个时间的某个国家的某个拍卖会上见到它们的身影。（杨素明原创博文）

                                更多油画作品在博客像册里

       为了搜集油画素材，参加了一个户外徒步旅行的行列，每周拔山涉水，拍了一些东西，勉强当作品，请大家点评。

引用

墨言 的 天价艺术只是垃圾?

  一幅作品价值千万已不稀奇，这是一个当代艺术天价频出的时代。但需要反思的是，这些作品真的物有所值吗？

到底蕴含多少艺术价值 天价艺术莫非只是垃圾?

最近一段时间，题为《当代艺术，垃圾堆里的商机？》的文章在收藏界引起了一阵波澜。收藏家郭庆祥在文章中提到，如今艺术市场上这些天价的当代艺术充斥着空洞、呆傻的艺术符号，甚至是暴戾、情色，这种思想不健康的文艺“垃圾”，根本体现不了我们时代的精神和思想的进步。这催使人们反思，这些动辄上千万的当代艺术作品到底蕴含了多少艺术价值？对于收藏家来说，他们又是不是值得收藏呢？

关注焦点之一：天价

郭庆祥：有的“当代艺术家”作品在国际拍卖市场屡创新高，它们已变成了一种商业工具，一种为资本服务的机器，这是艺术的悲哀！

时下，有的“当代艺术家”作品价格在国际拍卖市场屡创新高。他们的作品以画大头“报名照”为特色，人物目光呆滞、表情服饰单一，充满着对社会的嘲讽。他们所谓的创作，即制造一个概念，然后无限地复制。作品如放大了的照片画，并无艺术创造价值可言。另有些艺术家，经常绘制的动物系列，充满着恶浊暴戾之气，图像缺乏人类对动物最起码的人性怜悯；又在所谓的“桃花”系列中，丑态恶心地、赤裸裸地表现男女苟合的淫荡场面，这难道不是一个身心极不健康或变态的人所为吗？更有一批画家，以制作丑化中国已故领袖的图像为乐，抛开思想观念，这些作品已完全失去了人与人之间最起码的“尊重”，领袖问题不是这个群体能够研究的问题！等等等等。不知这些“艺术家”们到底要干什么？他们一味讨好和迎合部分外国人的低级、猎奇趣味，而“中国人拿中国人寻开心”！它们已变成了一种商业工具，一种为资本服务的机器，这是艺术的悲哀！

当某些外国人在十多年前开始，用今天不能想像的低价购买这些遭中国人唾弃的“丑态”作品，并且数量聚敛到大规模时，他们开始商业化市场动作了，开始有策略地抛售这些文艺“垃圾”，然后叫中国人“买单”。国内某些“聪明人”似乎嗅到了“垃圾堆”里充满着无限商机，也配合着老外的脚步，亦步亦趋，在买卖之间，癫狂地炒作。某些当代油画已彻底媚俗，附庸商业利益，并直接危害着来之不易的中国艺术创作的民主和自由。这个市场，只有炒作家，没有收藏家！

刘礼宾：现在的市场促进了特定艺术风格的流行。

现在市场上出现的这些天价当代艺术作品，多数呈现了画家在20世纪90年代时候的艺术风格。这说明什么？说明我们以前的市场有问题。以前的市场太不火了，相比较而言，现在的市场并不那么可怕。

现在市场促进了特定的艺术风格的流行，以前则是行政命令来推动艺术风格的流行，为什么过去人们能够接受行政指令下的艺术，现在就不能接受市场推动的艺术呢？围绕流行的艺术风格有一个群体。现在对于当代艺术的批评太多了，都在批评艺术家，为什么不去批评拍卖行、画廊，甚至是各种媒体，他们也是艺术市场中非常重要的一环，他们有没有做到健康地引导这个市场的发展呢？

刘尚勇：存在即合理。

史晶楠

任何事情发生了就有它的合理性，当代艺术卖出天价也是一样。我们需要具体地分析这个收藏群体：当代艺术的消费者都是年轻人，30多岁，都是成功人士，也有钱，他们喜欢的就是这些东西。就像现在的小孩子，看的卡通片多了，可能他们以后对中国画并不会太懂，但对于一些卡通题材的油画就会很感兴趣。

有的人可能觉得当代油画动辄几百万、上千万，可是中国近现代艺术大师的作品也不过几百万，大师反而不如现在的这些人了，这不正常。我认为这种比较是有问题的，他们把不同体系的事情放到一起评价了，就像是电视机和手机，你能说谁更好、更有用吗？人的价值取向不一样，买中国画和油画的买家群体也是不一样的，价值观念也是不一样的，不能够单纯地从价格做出比较。

关注焦点之二：画面

刘礼宾：有些丑的作品表现很直白，但艺术含量也非常高。

当代艺术的内容和表现形式非常丰富，有的人在表现美，有的人在表现丑。其实表现丑的作品艺术含量非常高。比如，一些表现清代宫娥的油画作品内容空洞，表面上看起来很美，其实不涉及任何当代社会问题。

郭庆祥：某些当代油画是汇集了数个使人恶心的“丑态”画面。

嫁接了西方及美国现当代表现形式的中国当代艺术的图像是什么呢？浮现在人们脑海里的某些当代油画却是“傻”、“呆”、“痴”的图像符号，有时更有“血腥”和“恐怖”、“暴力”和“野蛮”，汇集成无数个使人恶心的“丑态”画面。人们不禁疑问：它们能体现着当代我们社会的变革吗？或者也体现着中国的精神吗？答案当然是否定的。我认为，这种思想不健康的文艺“垃圾”，根本体现不了我们时代的精神和思想的进步。我相信，我们大多数心智健全的人都能看清楚这一点。

有人说“丑也是美”。是的！艺术不仅仅只表现美，唯美也不能称之为艺术的全部。审丑具有直面现实、促人警醒、逆向思维、拓展疆域、震撼心灵、恢复本性等美学价值。审丑是一种透射着美学关怀的审美策略。

上世纪90年代，一批具有玩世不恭、痞气放浪、无所谓的波皮美术作品涌现了出来，这时有的艺术评论家似乎从中找到了精神寄生的方向，寻到了符合历史逻辑又符合时代情理的文化出气口，开始以独立批评家和策划人的身份参与美术活动。以他们的人生经历和对社会的态度，以及思想理念，不遗余力地推崇“政治波普”、“玩世现实主义”以及后来的“艳俗艺术”。这些“丑态”画面的图像表现，在西方人眼中俨然成了中国的符号，代表了中国当代艺术面貌的艺术风格，这是与他们的推荐密不可分的。

刘尚勇：目前存在3种不同的价值体系。

事实上，现在我们所能看到的当代艺术大体来自3个价值体系。第一是在中国美术家协会体系下形成的官方价值体系。这种体系已经形成了几十年，作品强调写实技法，强调重大历史题材和主旋律，但是其内容离普通人的现实生活很远，在这个体系中推出的艺术家在当代艺术中有一定的重要性，但是市场上并不太叫好。第二则是外国人的价值体系。目前我们看到很多国内价格高作品的作品都是一些丑的、污蔑中国人、丑化中国领袖的作品，这些作品都是外国人极力鼓吹和购买的，他们的目的就是为了颠覆我们多年来形成的审美标准。他们都是在投机市场，找一些画家大量地画这种作品，据我所知，一些外国人在北京顺义租下一间旧工厂，找几个画家每天都在画这些作品。他们低价买走，然后经过几年的炒作再以高价卖入国内，最后买单的都是国内买家。第三是市场民主体系，或者叫做市场的本土价值体系。这是市场中形成的一种非官方的、普通中国人自己认定的价值体系。这恰恰是我们现在这些做当代艺术的人最应该关注和引导的价值体系。

关注焦点之三：精神

刘尚勇：建立在观念层面的艺术发展是无止境的。

去年拍出2200万元的刘小东的《三峡新移民》技术性并不强，但是却关注了国家重大事件中的一个具有人文思考的事件——移民。作品中反映了移民中很多细节，因为三峡建设，人们需要搬出库区，但是有的人却看到了这其中的商机，有人来有人走，表现了移民的一种矛盾的生活状态。这样有思想的作品就能得到藏家的认可。

现在的艺术不再是建立在技术层面上的艺术了，而是建立在观念层面上的，这种艺术的发展才是无止境的。中国在改革开放之后，原有的价值体系并没有完全打破，而我们又在接受洋人的价值体系，本土的、来自民间的艺术价值体系却没有建立，这就是我们目前的艺术价值体系的现状。在一场拍卖中我们什么体系的作品都能见到，但是都是各自为战，宣扬自己的价值观念。我们现在应该关注、发掘和确立健康的、有益的当代艺术本土价值体系。这也是市场对于当代艺术最宝贵的贡献，同时也回击了某些外国人企图建立的这种扭曲的、不健康的价值体系。

刘礼宾：艺术标准的形成是基于对艺术流派的梳理。

我们现在看到的当代艺术已经进入一个多元化时代，艺术家借用各种媒质，用不同的手法，表现不同的主题。当这些作品一下子进入人们视线的时候，可能很多人有些接受不了。他们会说当代艺术让人眼花缭乱，很“乱套”。从历史上看，艺术作品从来都是大量产生的，任何自由创作时代，艺术风格都是多元化的，只不过留下来的作品很少。欧洲的文艺复兴时期等等文化全盛时代都是如此。艺术标准的形成晚于艺术作品的诞生，而不是早于艺术创作本身。

郭庆祥：提升中国当代艺术的精神内涵，还需从人类的审美理想入手，将生活中真、善、美以及丑，转化成对生存关怀、环境关怀、人性关怀和语言关怀的艺术表现。

作为世界上举足轻重的大国，中国的文化艺术应该成为世界的主流一脉，而不是世界文化的异域枝节。虽然中国有着优秀的古代文化传统，但毕竟已经成为了过去，我们也不能一直拿着祖宗的东西炫耀自豪。提升中国当代艺术的精神内涵，还需从人类的审美理想入手，唤醒艺术创造中的“审美逻辑”，将生活中真、善、美以及丑，转化成对生存关怀、环境关怀、人性关怀和语言关怀的艺术表现。

当今世界的经济及生活方式极其相似，使得中外艺术家在思考艺术问题上有许多时代相似性。中国当代也有许多真正的优秀艺术家，正积极探寻从本国文化的历史和现实资源中获得更多的养分，结合时代特征而找到自身艺术的当代性。

评判艺术的标准是不断变化的，但艺术体现社会发展的创造力和人类思想的进步，开启人类未来心智，是永恒不变的。作为有良知的中国艺术品收藏群体，决不会在“垃圾堆”里找寻商机！我们需要形式能突破与创新、具有文化张力的当代艺术，需要作品具备内在的真诚与严肃，更需要艺术家发自内心的、思想自由和独立的艺术创造。这样，一个表现中国个性、民族自信、健康阳光的当代艺术，才能充满时代的创造性和积极社会批判说服力，同时体现着社会变革的艺术发展观。

来源:中国商报 文/史晶楠

    1997.1   方力军      

举起手,不许动   岳敏君

大家庭   张晓刚

小海军    刘野

欣慰的年轻人   石冲

笑话   刘晓东

青年小卡的肖像   毛焰

面具   曾梵志

音乐   岳敏君

油画家殷锐松

 锐松去世快一年了，我经常想起他，他也经常出现在我的梦中，我总想和别人谈起他，可身边又没有人和我一样做过他的同学和同事。每每想起他、或看见他的作品，都想说点什么或听点什么，但什么都没有。我想，我如果不把脑子里残存的一点有关他的信息记录下来、表述出来，心里总觉得有些缺憾。一个人消失得那样快，是人们无法想象的，也许北京通州他的那套复式楼的画室早已换作别人的住宅；也许西三环爱家市场中他的中国新锐画廊已改换门庭。要想再找到他的一点影子或痕迹，恐怕是很困难的。

 他从一个学画的发烧友到一个职业画家的心路历程是很不容易的，同时，从湖北定居到北京，作为而立之年以后的大变迁也是很成功的。我们同龄人中，有同样经历的、有同样想法和目标的有很多人，像他这样的成功也是凤毛麟角。其实，在同学当中，我是比较了解他的，他的成功直接和他的作品成功有关。首先，他的作品被市场认可，创造了良好的经济效益。这个人有一个不断奋进的劲头，之后，他又读了中国艺术研究院的油画专业的研究生。我明白他的规划，他是想在学术上更进一步，他的进步在一步步地实现他的规划。我在《中国油画》上看见了他的作品，就我个人的认识水平而言，他在同仁当中也是优秀的。给他打电话表示祝贺，他却不以为然。从1999年的进修生到2005年的研究生，他的作品发生了质的变化，也就是说从机械的描摹写生到用色彩的任意挥洒表现，俨然具备了大家的风范。我与他是进修期间的同学，那时他的习作水平并不在我之上，而几年之间他提高很快，原先我还不服气，也在和他的交流中努力研究答案，他去世后我突然明白，我与他相比就缺一点——浪漫的才气。在学了一定的油画技法以后，这种浪漫的才气喷涌而出，形成了他的风格，色彩的交响诗，油画的本体语言突出，我夸他为斩钉截铁的油画。

在长城上我为他拍       在他的画室合影（都是画画的朋友）

的照片

 圈子里的朋友、 同学、 同事甚至老师都喜欢他这个人，也喜欢他的画，因此，他的朋友很多，而他又从不待慢朋友，至今我还是想起他在同学录中给我的留言，善待朋友、刻苦画画。这不只是留给我一个人的，对所有的朋友都是一样。画画成为他的职业以后，他又是那样的喜欢画画，他的产量又是那样的高。就这两样事就够他操劳的，我一直觉得他很累，也曾劝他要注意身体。甚至觉得他是劳累而死，作为他的朋友，在想起他的时候都有一丝的愧疚。

 据说凡高和莫的里阿尼都是在三十七八岁时英年早逝，遥远的拉斐尔也是这个年纪夭折，我到四十岁时才突然想起来，一不留神活过了绘画天才的年龄，可自己的水平却远不如他们。好在我虽然没有他们的才情也凑和着活着，也有机会超过他们，然而我毕竟不如他们，他们都是艺术的殉道者，为艺术而生，为艺术而死，为艺术而神经病。我们这帮人上有老下有小，中间还有小舅子，我们要疯了，亲人怎么。我们追求艺术，我们也食人间烟火，我们的艺术才情被世俗的生活压抑。我对锐松抱有幻想，虽然也在四十岁上下才见光明的前途，可年轻时被许多生计的事情所耽误，而失去了许多的求学机会，如果按纯时间打折算一算，从求学做画到成功也就几年时间，可能比三位天才成功的速度还快，几年以前，他的定件已应接不暇，价位也迅速攀升，确实要好好大干一场的。我的作品也搭上了他的顺风船，从他的工作室就买出许多，他还一直鼓励我要保持风格，多出作品，随着他的离去，这一切都灰飞烟灭，使得我这个远离大都市的人一边画画一边淌市场，游走于艺术与市场之间，好不辛苦，每每想起锐松，觉得失去了顺风船，自己航行确实很难。

                      殷锐松油画作品

更多油画写生作品在相册里

引用

肖文斌 的 “中国当代美术水准落后于非洲”——吴冠中痛陈中国美术现状

 

“中国当代美术水准落后于非洲”——吴冠中痛陈中国美术现状

    去年年中，吴冠中“以奖代养”、“取消美协、画院”等言论激起轩然大波，相关机构纷纷反击。沉默了几个月之后，吴冠中在家中接受了南

吴冠中如是说——

美协和画院——就是一个衙门，养了许多官僚

艺术活动——就跟妓院一样了

观念之争——全是站在自己饭碗上

艺术市场——很多沙子将会沉下去

    南方周末：现在还有哪些国家养诸如美协、画院这样的官方艺术组织？

    吴冠中：全世界可能就中国有吧。国外协会也有很多，但它们都靠作品生存。而中国却有这么多养画家的画院，从中央到地方，养了一大群不下蛋的鸡。

    “我说的是真话。我这个年纪了，趁我还能说，我要多说真话。”89岁的吴冠中挥舞双手，激动地对南方周末记者说。记者刚一落座，吴冠中就省掉寒暄，直接切入主题。身材消瘦、安静温和的吴冠中像是变了个人，脸色发红，声音洪亮，双目放光，话锋直指中国美术界存在的问题，而问题的根源——“其实就是一个体制问题！”

    这一聊就是3个多小时，89岁的吴冠中先生没喝水，记者也没喝水。

                           大学之大在于大师

    南方周末：您反复强调，中国艺术水平不高与画家的文化水平偏低有关，为什么？

    吴冠中：当年我女儿在浙江大学学工程，后来转到艺术学院，发现文化课要求想不到得低。文化水平低决定了大学只能培养出工匠，培养不出艺术家。美术界大部分画家的文化水平都不高，他们的作品情怀和境界上不来，这是我的心里话。

    南方周末：中小学美术教育是欣赏、普及，大学时期的美术教育呢？

    吴冠中：大学应该把好苗子招进来，再因材施教。对报考美术学院的学生，老师和家长应该给他讲明利害，学美术等于殉道，将来的前途、生活都没有保障。如果他学画的冲动就像往草上浇开水都浇不死，这样的人才可以学。

现在的情况是，教育产业化，大学扩招，学艺术的学生大量增加，他们就是为考个大学，学校多收学生多赚钱，但将来学生毕业，社会容纳不下这么多搞艺术的，他们的出路在哪里？我很担心这个问题。

    南方周末：现在大学里的好老师多吗？

    吴冠中：现在很多大学老师不称职，一定要毫不客气地淘汰。大学之大，不在于大楼，而在于大师。我读大学时，老师对学生往往是一个对三个，现在一个老师对40个学生，就是有好老师，这么多学生他哪里顾得过来！现在大学都搞综合化，理工科学校都在搞美术学院、艺术学院，老师要评职称，学生要拿文凭，都掏钱在刊物上买版面发作品，很无奈。

    南方周末：和您一样毕业于杭州国立艺专的李仲春在台湾开了一家美术咖啡馆，在咖啡馆里和人聊天，教人画画，他培养的艺术人才超过了台湾师范大学美术系50年里培养的人才，成了一个奇迹。

    吴冠中：这种教学方式大学应该吸收进来，就是自由教学，师生之间直接交流，这种教育比课堂教学好。那样的咖啡馆也是一个学校，虽然它不发文凭和学位。全世界很多美术家都没有学位、文凭这些头衔，什么艺术硕士、艺术博士，都比不上作品。

    南方周末：在前年的延安艺术教育座谈会上，许多艺术院校的校长院长都提到教学评估检查，这个制度让他们很头疼。

    吴冠中：这个是劳民伤财的活动，评估过程中有人际关系等等好多因素影响，不能彻底执行。对艺术院校的考核，没有人才，不出作品，再搞什么制度都没用。

    南方周末：在目前您还能做什么？

    吴冠中：只能说是尽自己的力量，凭良心搞创作，说实话，影响、帮助别人。我对现在的美术教育很悲观。

    南方周末：现在还有哪些国家养诸如美协、画院这样的官方艺术组织？

    吴冠中：全世界可能就中国有吧。国外协会也有很多，但它们都靠作品生存。美国不养画家，法国只给一些有才华的穷画家提供廉价画室，而中国却有这么多养画家的画院，从中央到地方，养了一大群不下蛋的鸡。

    南方周末：您为什么对美协和画院不满？

    吴冠中：美协和作协一样，是从苏联借鉴来的。改革开放以前，美协是画家的绝对法官，甚至可以决定画家的命运。现在美协机构很庞大，就是一个衙门，养了许多官僚，很多人都跟美术没关系，他们靠国家的钱生存，再拿着这个牌子去抓钱。很多画家千方百计地与美协官员拉关系，进入美协后努力获得一个头衔，把画价炒上去，这种事我见多了。

    南方周末：您希望取消美协和画院？

    吴冠中：美国华裔数学家丘成桐说，科协制度不取消，中国的科学上不去。美协也是这样。

    你问问那些加入美协的人就知道了，进美协要靠哪些东西——根本不是看作品好坏，这个机构变成诈钱的机构了。说白了，艺术创作是个体劳动，和组织、集体没关系。从中央到省、市，画院养的那些画家，出了什么作品？

    该不该养画家？要不要养一辈子？哪些画家是该养的？哪些是不该养的？这些都是问题。画院里有一级画家，二级画家，这些是怎么评出来的？弄得画家都在拼这个头衔，却没有好的作品出来。我的意思是，这些头衔都不要了，画院取消，根据你的作品来颁发大奖，这样画家也好，作家也好，他们的精力才能用到作品上去，才能出好作品。

    现在有一个文化部，还有一个中国文联，它们的很多功能是重叠的，这不是浪费纳税人的钱吗？我的意思非常简单：文化部只能一个，你就是服务，制定制度，其他的，让民间组织去搞，谁的作品好，你给奖给钱。现在的体制，搞作品不如搞人际关系，都走这样的路，作品就没有了。

    南方周末：中国画院院长龙瑞反驳您，没有画院这样的机构，谁来搞“国家重大历史题材100年”这样的重大创作？财政部为这个项目拨款一个亿。美协和文联的官员在回应你的批评时说，他们给您发请帖您也不参加活动，您对他们的工作不了解，美协和文联还是有着不可取代的作用。

    吴冠中：你可以调查一下，所有的美术家对美协、画院是什么印象？他们起的作用在哪里？他们为艺术的服务体现在哪里？他们的活动就是搞展览、大赛、评奖。大学扩招成了他们来钱的机会。我每天家里收到的杂志，都是些乱七八糟宣传自己的，这样搞就跟妓院一样了，出钱就给你办。

    现在，画院偶尔给政府完成某个项目，画一些历史画，画家就忘了艺术是什么，就去打工了，出来的产品往往都是垃圾。美协、画院每年都搞采风，一大帮人都去采风，大张旗鼓的，电视台、报纸记者跟着，拍几个集体画画的镜头，花好多钱玩一趟。真正的采风不是这样的，你悄悄去民间采风，体验风土人情，了解民生疾苦，是很艰苦的。

    真正的艺术家都是苦难中成长的。我说，社会不养诗人、画家，艺术家没有吃过苦没有感情和心灵的波动成长不起来。

    南方周末：如果美协、画院继续存在，理想状态是什么样的？

    吴冠中：能够提供好的服务，主事者人品要好。现在掌权者都是办活动的人，很麻烦，他懂一点艺术，可总搞政治。如果他完全不懂艺术，人品好，对艺术家反而很客气。画院应该养作品，画家可以流动。有的画家不错，画院可以临时资助，给你比较简单的生活条件，你来完成你的作品，作品很好，高价买下来；作品不好，你走，换别人。

    吴冠中：“以奖代养”只是一个想法，具体实施起来还有很多问题，但是这个原则是对的，至少比现在的情况要好。好作品出来太不容易了，一个美术家一辈子能出几个好作品？因此我说要大奖，出作品就是国宝。一张好画的奖金，可以养画家半辈子。但现在国家给的奖不够，像科学方面的奖励有500万元。文化部给艺术的奖只有3万，还是日本人捐的钱，我觉得很耻辱。

                           创新不能讲和谐

    南方周末：在创作领域，现实主义独大了几十年，有过真正的“百花齐放”吗？

    吴冠中：没有过。百花齐放、百家争鸣没有，就是现实主义一枝独放。文学、诗歌到美术都是现实主义，所以，像林风眠和我都被长期冷落。鲁迅讲过，政治与艺术是矛盾的。赵丹讲过一句，管得太具体，文艺没希望，以前骂他是放了个屁。

    权力都在外行手里，他们拿了这个权力瞎搞，不是现实主义的都是洪水猛兽，统统被打倒在地。

    南方周末：新中国美术史基本是由“央美”和“国美”的两个派系构成，它们之间的差异在哪里？

    吴冠中：现在艺术风格恐怕都不明显了，过去非常明显，“国美”前身国立艺专时期，林风眠彻底把巴黎美专的那套教育搬到中国，有西方古典的基础课，也有现代主义的；徐悲鸿的“央美”，完全是搞现实主义的。当时两校的教师也好，同学也好，相互不屑，门户之见很深。

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    南方周末：但大家也承认，1980年代之后，“国美”人才辈出，“央美”基本缺席。1990年代以后，两个学院出的人都不太多。

    吴冠中：对。“央美”一直坚持徐悲鸿的现实主义，很顽固。“国美”出人才的根源还是林风眠的教育思想开放，艺术现代性比较高。

现在呢，相互融合，去国外的人多了，国外的好东西都能够看到，大家可以自己选择。将来真正的画家，我觉得很可能是从民间出来的。像马蒂斯他们都不是从美术学院出来的。为什么呢？他们没有约束，有的是自由。现在学校里规矩多，搞艺术的人麻木了，把自己的感情消灭了。

    南方周末：怎么看待过去几十年里苏联美术对中国美术的影响？

    吴冠中：苏联的音乐、文学都不错，惟有美术很奇怪。我开始以为是意识形态的缘故，西方故意贬低苏俄的美术成就。现在来看，它在美术创造上确实没有新的东西。我个人不喜欢俄罗斯的画，不是说它庸俗，就是觉得它没感情，画的都是物。

    像以前被我们奉为大师的列宾，也是借西方的脸画俄罗斯的故事，变成俄罗斯了不起的画家。我在法国时，重要的画家我全都知道。后来回央美任教，有人问我有没有列宾的画册。列宾是谁？我不知道，可国内到处都是列宾。后来看《法兰西文艺报》，一整版介绍列宾，开头就说，“提到列宾，我们法兰西的画家，恐怕谁也不知道他是何许人”。

    南方周末：现实主义的影响是好处多还是坏处多？  

    吴冠中：起了很坏的作用，在几十年里，美术界把现实主义提得很高很高，根本不允许百花齐放。

    我认为照相发明之后，现实主义必定要消失。我很不喜欢照相。后来看到摄影作品中有了艺术的意识，我鼓掌。看了石少华到非洲拍的照片，照得像画一样，我很喜欢。我鼓掌的意思是，现实主义该垮台了，该百花齐放了。    

 

    南方周末：新中国美术史上的那么多艺术争论和派别斗争，背后真正的焦点是美术观念之争，还是人事派别之争？    

    吴冠中：我觉得人事派别之争是主要的，艺术之争是表面的。这些争论、斗争导致了几十年里中国美术实际上没有什么发展和创见，美术成了政治的工具。

    比如我讲“笔墨等于零”这个问题，学国画的人，只能是手艺，只能搞摹样。现在钢筋水泥，不要你摹样了，他得保住饭碗，最后就变成了派别之争。我觉得悲哀的就是这个地方，这些人全是站在自己的饭碗上讲话。

    南方周末：但您也提过“创新是斗争，不能和谐”。为什么？

    吴冠中：毛泽东讲过，推陈出新。陈旧的，阻碍美术发展的东西一定要拆，你不拆，它不倒。政治上是这样，艺术上也是这样。凡是创新，都是斗争出来的。

    我搞了一辈子美术，没有搞斗争。作为艺术家，我自己尽量搞我的作品，走我自己的路。我现在从我的人生经验和艺术经验出发，凭良心讲话，但还是有限，不能敞开了讲。

                          价格是个心电图

    南方周末：中国艺术品市场这几年非常火热，美术作品屡屡爆出高价，你怎么看待？

    吴冠中：我觉得很多是泡沫，有些人可能有钱了，就投资艺术品，但他不懂艺术。画家就利用这个机会拼命炒作，抬高自己的身价。

     我相信历史是公正的，过一段时间很多东西将被淘汰，很多沙子将会沉下去。最有趣的是，现在有的美协主席，他在位时作品就贵，他一下台马上就跌了。

    南方周末：这个市场也给了您好处，您成为在世的画家中画价最高的一位。

    吴冠中：还是市场炒出来的，很多收藏者为了盈利、套现，联合拍卖行、买家一起炒，有的还联合画家、媒体一起炒。这个价格跟我关系不大，因为那些收益归他们。有一个拍卖会，把我的作品拍得价格很高，大概几千万吧，有个记者打电话给我说，你的一张画到了几千万了，我说这个是心电图，不准确。我一点没有高兴的感觉，这个钱不属于我。而且我的那些画是不是真正的好东西，还没经过历史考验。坏处倒是来了，现在市场上我的假画越来越多了，我也管不了。

    南方周末：怎么看待市场对美术创作的影响？

    吴冠中：市场也有一些好处，它让画家能够离开体制生存，坏处在于市场会把画家定型，专门画好卖的。西方的画廊也是这样，我包你的，你不许改变风格，你一变我就卖不掉了。相当多的画家为了卖钱，炒作越来越厉害。

    南方周末：所以有人说，现在对画家来说，是最好的时代，也是最坏的时代。

    吴冠中：对。你画得好，市场可以承认你；你画得不好，你可以选择进入体制混一辈子。有的人左右逢源，既在体制内拥有权力，又享受市场的好处。但在这样一个泥沙俱下、垃圾箱式的环境里，艺术家泛滥，空头美术家、流氓美术家很多，好的艺术却出不来了。

     像我吧，现在画画就是出于热爱，钱对我没有意义，我不需要。

    南方周末：您一直强调生活和艺术的关系，但美在生活中并不多见，美术并没有走进大众生活。

    吴冠中：不但是民众，甚至高级知识分子对美也不理解。我有一些亲戚朋友，他们专业知识很强，可家里的工艺品、陈设布置等等，非常庸俗，不可理解。     最直观的就是，中国人家里电视都放在客厅，但在美国和欧洲，很多人家电视机放在卧室里，客厅里挂画，摆雕塑，这就是区别。

    中国的艺术教育功能，一直藏在大学里边，没有跟社会生活发生关系。中国美协和画院这些官办机构，他们没有拉近普通人的生活与艺术的距离。

    我们生活中的美感也很少，我们的建筑大部分都很难看，北京修了那么多高楼大厦，偶尔也有单个建筑很美，但整个街区环境却很差。

    南方周末：国外民众离开学校之后，通过哪些途径与艺术发生关系？

    吴冠中：他能够从城市建筑、设计、日常细节上感受到艺术之美。另外他可以去博物馆、美术馆……就连商店的橱窗摆设都很有美感。他的生活无时不与艺术发生关系。中国的情况呢，商店里主要的橱窗都是尽量摆放最贵的商品。

    以前，我和国内的一些作家参加国外笔会，有个活动，参观博物馆，外国作家看得津津有味，还不时就某个物品进行讨论，我们的作家一窍不通，无聊地转来转去。

    这几年，中国的美术馆、博物馆越建越多，硬件越来越好，但你收藏了很多垃圾，许多东西是走后门凭关系送进去的。现在一些国外美术馆，经常有中国人主动送画，回来就宣传炒作自己。  

     所以说起来，现在的问题，不光是艺术教育，还有艺术场馆、大赛评奖、市场，全方位都有问题，而问题的背后，其实就是一个体制问题。

    南方周末：您还有一个论断也比较让人吃惊，中国美术比非洲还要落后，为什么？

    吴冠中：我们以为非洲艺术很落后，后来我到非洲一看，他们吸收了很多西方现代艺术，反而比我们现代很多。我们的人为障碍使我们落后了。    

    南方周末：您谈到艺术里技术是基础，境界最重要，可以诠释一下吗？

    吴冠中：这个境界就是感情的真实。技术只是一个手段，学技术比较容易。情怀是多年的人格，多方面因缘修来的结果，这个是最重要的。

    南方周末：您和朱德群、赵无极，三位同学都是法兰西学院院士，您怎么看待你们的差异和人生选择？

    吴冠中：院士之类我从来没有想过，我也不羡慕这个院士。后来法国人选择我当了院士，我很意外。我和他们是同学，是很好的朋友，他们在国外发展得很好，我替他们高兴，他们在法国自由地开花，是法国花园里的玫瑰花。我回到祖国，面朝黄土背朝天，是鲁迅作品里写到的腊梅花。 我是这么一步步苦出来的，这样的经验也只有我有，生活和命运造就了我的作品。

    南方周末：您老讲艺术格调，这个格调是什么？

    吴冠中：艺术就是真性情。

       石头是大自然制造的,连人都是大自然的作品,更别说一草一木、一水一石了。我说的制造石头是我在这几年的油画创作中有关石头题材和内容占了大多数。起头的是一幅2003年底的《玉石河》，它参加了04年北京举办的中国艺术博览会，获得好评，之后留在同学殷锐松在通州的工作室里被卖出。同行给予石头这个题材以充分肯定，加上在艺术市场上有盼头，所以，05年以后就由白桦林的主攻方向转向了石头的方向。在此期间诞生了一系列的“石头画”，《石歌》、《石语》、《石说》、《石颂》应孕而生。在07年上海春季艺术沙龙上集中展示，创造了良好的业绩，再一次被业内人事肯定。有人称我的画超过陈逸飞，当然，我心里清楚，画美女他厉害，画石头我厉害，这不是一回事。

       “制造”石头多了，就对石头有感觉了。戈壁滩上的石头大多是青灰色的，所以我的“石头画”也都是灰调子。其实，仔细观察，石头的颜色是那样的丰富，在画面上，我的色彩也是变化多端的，我也正是被这种变化统一的特性所吸引，一头扎进石头堆里用油画颜料来寻觅色彩。

       虽然，我画的石头有明显的地域性，但我声明我绝不是为了那个肤浅的“边疆少数民族特色”的政治口号而作的，起先只讲唯美不要主题。注重的是形式技法上的新颖独特，可是画的多了渐渐有了主题，任何风景画都有一个通用的主题——那就是歌颂自然。我也是在画自然，画人生。画来画去，觉得自己不如一块石头。这些石头在地球上被自然雕琢得千姿百态，被时间打磨得风情万种，随便一块石头都会比我大，比一百年长，比中国历史长，比人类历史长，人的一生就像苍蝇眨了一下眼睛。

       由于精力和财力所限，我的画都取材于本地本土。几年当中，博尔塔拉的山山水水留下了我的足迹：从哈拉吐鲁克的小溪到赛里木湖畔的鲜花；从夏尔希里的白桦林到博尔塔拉河的卵石，我努力在表现它们。除了画画以外，又培养了一个旅行的爱好。每年有几次在山涧、丛林游走心里那个畅快，回到家里再翻看着拍摄的风光资料片，心情绝不亚于股民看到股市金线飘红的感觉。

       我的油画技法既不是严格的古典手法,又不是很时髦的表现性手法,看上去是一丝不苟地认真描摹,实际上也形成了一定的程式化的东西，概括起来是这样的——不重复的、很慢的直接画法。这种方法不单只适合表现石头、树林等风景，在静物方面我也作了尝试，在肖像方面也是可行的。以后，我还会有这些方面的作品。

       在艺术领域，任何一种方法或语言形式都有它表现的局限性，我的油画技法也不列外，它不是所有的东西都适应。通过这几年“石头画”的实践，让我觉得我的技法找到了最适合的表现对象，或者说石头找到了最好的表现方法。这里面技法细碎的特征与石头的组合多变、色彩微妙变化有一种暗合，是一种说不明道不白的默契，以至有时画的时候不用大脑指挥，常常信手拈来，总也恰如其分。在画面上任意添加一两个石头也是任意默写，无论结构和色彩都是天衣无缝。前几年，白桦林系列的风景画被北京的行画高手临摹，在嘉德在线网站上拍卖，使我又喜又气，喜的是我的画有卖像，气的是别人用我的作品式样继续赚钱。而石头系列作品却没有见到一件临摹作品，这使我窃喜，觉得自己创造了一种别人无法盗用的方法。回过头看看，石头系列作品庞杂的构成，繁琐的色彩定让那些投机取巧的画匠望而生畏。石冲、冷军的超写实作品都可以临摹复制，只要有一种日死牛的耐力就能办到，而我的石头作品虽然比不上他们水平，要临摹起来却更加困难，因为我的作品有一种不规则的肌理，还有一种……一种说不出的玄机。即使用了日死牛的耐力来临摹，可以把石头画得惟妙惟肖，但决不能像我的画。

       至少，我继续制造“石头”，用不着急着打假，省了烦心事和许多成本。

大地作纸激情作笔，

幸福安康作主题，

雨雪风霜化五彩，

绘出山河几万里。

              这是我送给大家的年画，祝愿看到这幅画的朋友身体健康！万事如意！心情愉快！家庭幸福！

                                  2007年2月6日鼠年除夕

这是仿照艺术家徐冰的《地书》写的日记。

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        这是2000年我在北京中央美术学院进修期间与徐悲鸿夫人、现任徐悲鸿纪念馆馆长廖静文女士合影。当时她已有78岁了。

        另一张是与原美院院长侯一民先生的合影。

        苏州市有一个周庄，其水乡民居是中国江南建筑的代表，油画是西洋画的代表，用油画表现周庄，就像用洋酒瓶装二锅头，新鲜不说还带有一种幽默感。这种幽默感全世界人民都能接受。如果你是一个外国游客，你到中国寻找什么？周庄可以代表中国。表现周庄的东西很多，服饰、绣品、工艺品、国画都能找到它的形象。外国人如果看到了油画表现的周庄，眼前会大放光芒，是因为既熟悉又新鲜。熟悉的是油画，新鲜的是周庄。况且，陈逸飞用油画画的周庄，又由美国人当作礼品送给中国人（邓小平），可想而知，被名人认可的东西，普通人就跟风了。于是周庄走向了世界。国画表现的周庄远不如油画吃香，除了因为国画走向世界比油画困难以外，还缺了一种高雅的幽默感。

       在上海吃米粉和海鲜不足为奇，在新疆吃烤洋肉串也是平常之举。如果在“东方明珠”底下吃烤洋肉，就有点滑稽和幽默。不能不说卖烤肉的人将这种幽默当作卖点是一个聪明之举，虽然洋肉不太地道，孜然味也没有，卖烤肉的人说着有上海味的普通话，头上戴一顶维吾尔的小帽，但还是有很多买主。吃得是这种幽默感，吃得是上海酒瓶装得新疆酒，吃得是油画表现得周庄。

         中国人向来是会改造的，佛教原本是印度的东西，却被改造成中国第一大宗教也是世界上第一大宗教，将观世音的名称改成观音，将佛教的理念改造成洞窟壁画，诸如佛本生的故事，西方净土变之类。进入当代社会，由于国家的开放和信息的交流，被中国人改造的东西越来越多。

       西服从西方引进中国不过百年的历史，已经被改造成正在奔小康社会的农民的制服，而在西方，西服是上流社会的礼服，而中国农民却将它穿得脏了吧唧，口袋破损，衣襟卷边，糟蹋得不成样子。

       乒乓球是被改造得最成功的。善于算计、头脑灵活、诡计多端的中国人玩乒乓球于掌骨之间，惊得那些体格键壮、一贯遵循法则的外国人无法应对，发而使得乒乓球成为中国的国球。这种成功的改造反过来又影响世界乒坛。

      还有台球，本来是绅士的娱乐活动，即便是在西方也是极少数人玩的，主要是财富和地位的影响。而在中国特别是在上世纪八十年代以后，台球成了十亿中国人普遍的娱乐项目，而在农村更胜于城市，烟尘四起的马路边、鱼腥味肉腥味扑鼻的地摊旁、田边地头、旅馆、汽车站、小渡口、牛市、马市、蔬菜市场到处都可以看见台球案。从鼻涕哈喇的村童到缺了门牙的老叟；从大姑娘小媳妇到老太婆全都可以挥杆上阵。有爬上去的；有座在上面的。碰得木凳支起的案子动摇西晃。

         还有那交谊舞，优雅的华尔兹、四步舞以及抒情浪漫的圆舞曲已被四零五零的徐老半娘改造到颇具中国特色的广场文化里面去了。女人扭着粗的腰、肥的臀，男的趿拉着拖鞋、穿着大短裤在露天的夜空下，听着政府为百姓安装的高音喇叭播放出的刺耳的舞曲，间或有一只中国的秧歌曲调，众人又一同变换了步伐和姿态。这种广场文化参与人员众多，规模之宏大，堪称中国城乡一大景观，是任何一个欧美国家的舞厅望尘莫及的，也是被各级官员津津乐道的民心工程。

       中国人的改造最大的特点就是将美好的事物大众化、通俗化，虽然在某些程度上有损于品质与档次，但在受众方面的优势不能不说是一个大大的优点。其次，改造并不是表面的“拿来主义”，有许多东西的改造是深层次的，其根源是中国几千年的文化底蕴，任何外来文化都会被它侵蚀、融化，最终被改造。

       在当今这个信息化、国际化的大背景下，文化的渗透和影响已经是不以人们的意志而转移的，中国人改造了外国的东西，同样，外国人也在改造中国人的东西。只要是好的东西，大家都可以拿来，拿来的东西在不知不觉中被改造。

        需要画家注意的是，油画这种舶来品也开始被改造了。首先是学术层面。国人油画家在“油画民族化”的大旗下，高举着“意象油画”的锐利武器在画布上拼命改造着油画。其次是消费层面，中国人也开始“消费”油画了，除了美术馆、纪念馆、博物馆等专业机构收购油画外，当今的一些团体和收藏家也加入收藏、收购的行列，同时又影响了普通大众。大家都知道油画是什么东西了。普通大众购买油画不是把它当做将来能升值的艺术品（如玉器、古玩）而是把它当作过去的年画，一年一换的廉价物品。而中国又是一个大市场，只要有需求就有供应，只要砍价，就可以降价，降到你不可想象的地步。被业内人士称做“行画”的东西大行其道，全国各地都有冠以艺术品公司的绘画作坊。深圳大芬油画村的行画销售每年已过亿元，整个中国就是一个手绘大车间。从这样的车间出来的“行画”产品已经廉价到无法再低的地步。在北京、上海、深圳等地可以用100元买到一幅1米见方的表现性油画，从画面上看，是用宽笔或排刷任意横涂竖抹，再加一点颜料堆积的厚度。从作画时间上看，一小时可做两三幅不成问题。

         不论在学术上唱得多高的调，油画以消费品的身份走向市场已成定局，价格也不是艺术品的价格，甚至连工艺品的价格都比不上，这种贵族的奢侈品即将被改造到中国老百姓家里了。

今年7月到8月，我有机会带班赴北京、东北和山东考察，根据我的专业特点，我主要对美术方面进行了考察，在不到20天内参观了4省8市的5个美术馆，调研了6个画廊，观摩了1个艺术博览会，可谓效率之高，收获不浅。

7月20日到达北京，22日独自一人到中国美术馆，碰巧有一个大展：“从提香到戈雅——西班牙普拉多博物馆精品艺术展”，展出的是16——18世纪欧洲的油画。花10元钱租一套语音解说系统，在按键上输入每幅作品的编码，系统就会将作品的情况作全面的介绍，带上耳机边看边听，好不惬意。这种方法极好，方便、快捷、效率高。

之后去了LM那里看了画廊的情况，有一个俄罗斯画家的专题展，水平一般。另外，将这几年留在LM处的卖不掉的油画清点带回。

26日，独自参观了辽宁省美术馆，整个美术馆基本上变成了商场。在二楼上看了一个美术馆附设的画廊，粗略看了一下，发现有广廷勃的海景油画，标价为6万元。其余作品印象不深。

在长春百般打听，回答说没有美术馆，可能真的没有。

28日，从在长春活动的两天时间里抽出半天时间去哈尔滨，参观了黑龙江省美术馆，碰巧举办全省首届油画大展，遗憾的是到了下班时间，只匆匆浏览一遍，没有看过瘾，感觉不错。附近有一家较大的画廊，标称“俄罗斯画廊”，里面的俄罗斯风景画都是中国人画的，标价在6000元左右。之后参观圣索非亚教堂，附近有地摊画像，30——50元一张头像。

29日到大连，中午下火车后在大连的同学wds的陪同下直奔大连工艺美术博览会，油画和国画不多，且多为行画，有一女画家的工笔人物很好，标价万元。

8月1日到山东潍坊，由于只停留一天时间，下午同领队xdx一起在下班前参观鲁鸢美术馆，意外惊喜，在这样一个地级市的私家美术馆有刘大为、冯远等中国名家的作品售卖，价位在20——60万元。根据介绍和自己辨认，作品不是假的。有幸在这里买到一本好书《中国油画拍卖图录》，2007年7月的，很新。

8月5日，同xdx一起参观山东省美术馆，没有展览，看了两家画廊。山东省十位名家水彩画展览在伊凡画廊展出，观后感受颇多。在《美术大观》发表过的一幅女肖像画的原作在这里标价为22万元，其余风景画2——5万元的很多。我们看了伊凡画廊平时的展品，有王沂东的和秦大虎的。女老板特意向我们展示了一幅王沂东70年代很小的一幅头像习作，标称23万。秦大虎的作品也在十几万元左右。她有意和我多聊，我留下联系方式和博客。我们还没回到宾馆，她就发来短信称我的油画很亮丽，很漂亮。可以判断为是夸奖，不是恭维。遂产生与他合作的想法。

    前两天法院通知我，6月28日宣判《倾听花语》的赔偿案，我去法院的时候两个被告都没有来，法官说由法院将判决书送达他们，我的判决书当即给我，长达7页的判决书我只看了最后一页——我赢了：法院裁定第三人ph赔偿我《倾听花语》损失10000元，被告文联有连带责任。